DEAD CAN DANCE:"Within the realm of a dying sun"

Dead Can Dance son uno de esos extraños ejemplos de grupos a los que el paso del tiempo, lejos de sumirlos en un triste olvido, ha revitalizado y continúa elevándolos al lugar que merecen en el panorama musical, aún habiendo vivido un letargo del que despertaron tras muchos años de silencio. La esencia de su música procede de un inframundo donde los muertos pueden bailar, es decir, donde pasado y presente se funden en una comunión perfecta, desafiando, con sus voces heréticas, a la esencia misma de la naturaleza humana. De tan particular, extraño y cambiante que resulta, este sonido es casi inclasificable, constituyendo su propio estilo, que antes de tomar elementos de las músicas del mundo se acercaba a lo gótico, como sucede en el disco aquí comentado. Sin embargo, una ligera escucha de su música desvela los elementos decisivos que la acercan a un público numeroso y variopinto: la escogida instrumentación, el uso especial de las voces, el halo de misterio que desprenden, y sobre todo la búsqueda estética, la huida de los convencionalismos del rock y el pop para innovar hacia caminos que en esa época estaban totalmente abiertos ("desde nuestra creación en 1981 hemos rechazado englobarnos dentro de las tendencias musicales menos exigentes, adoptando tradiciones musicales diversas y adaptándolas a nuestras propias necesidades, causando a menudo la consternación a aquellos que intentan clasificar nuestra música").

Pesimista, tenebrosa, incluso apocalíptica, así se percibe esta grandiosa música destilada por Brendan Perry y Lisa Gerrard. El primero, anglo-irlandés criado en Australia, aporta la esencia folk derivada hacia la electrónica y una gloriosa poesía romántica. La segunda, nacida en Melbourne, se nutrió de la multiculturalidad desde su infancia por su familia -también emigrantes irlandeses- y entorno, influencias celtas, árabes y mediterráneas que a la larga ha aportado a su música, tanto en Dead Can Dance como en solitario. Las canciones de este disco, publicado en 1987 por 4AD, el sello de rock alternativo que les acogió cuando emigraron a Londres, van más allá de la letra o de la música, parecen conectar con otra realidad, de tal manera que definitivamente, al final es inevitable quedarse atrapado en su sonido, de hecho la capacidad hipnótica de algunas de las piezas hace que su duración se antoje realmente corta. La nueva mentalidad de un grupo que firmó su homónimo álbum de debut tres años atrás provino de una concienciación de cambio estético, a partir de la cual se trabajó casi de manera experimental en base a formas clásicas y folclóricas, así como una instrumentación distinta a la habitual de guitarra, bajo y batería, con la incorporación de cuerdas y metales. "Within the realm of a dying sun" contiene en su escasa duración un desarrollo específico, totalmente buscado por Lisa y Brendan, por el cual nos encontramos con una primera parte dominada por la voz de Brendan Perry, para que Lisa Gerrard tome el relevo en la segunda. En cierto modo parece existir un camino que nos conduce de la oscuridad hacia la luz, con un seguro significado de renacimiento. La parte de Brendan es misteriosa, inquietante, dominada por los teclados, fondos de violines y chelos, y unos fabulosos vientos entre los que destacan, en esa búsqueda de distinta instrumentación, el trombón, la tuba y la trompeta. Aparte del místico corte instrumental, "Windfall", tres son esos soberbios temas cantados por Perry: "Anywhere out of the world", "In the wake of adversity" y la excepcional "Xavier", una de las cumbres del disco. A partir de aquí, y con la entrada de una fanfarria, le llega el turno a la terrenalidad de la voz de Lisa Gerrard marcando el camino venidero de la banda, pues estos cuatro temas restantes se desarrollan entre lo medieval ("Dawn of the iconoclast"), oriental ("Cantara"), religioso ("Summoning of the muse") y étnico ("Persephone"), en un total eclecticismo. "Cantara" es, junto con la mencionada "Xavier", lo mejor del trabajo, una genial base instrumental de cuerda (el salterio, vistoso y de sonoridad medieval) que acaba siendo acomodo de un hipnótico ritmo típicamente oriental, constituyendo una de las grandes canciones del grupo y plato fuerte de sus directos. Varias de las canciones de este disco han sido versionadas o algunos de sus extractos sampleados por grupos de rock gótico, folk o música electrónica.

El aire tétrico que le otorgan los metales, el romanticismo de su primera parte, lo enigmático de sus voces, incluso el panteón de la portada del álbum (de la familia del naturalista François-Vincent Raspail, en el cementerio parisino de Père-Lachaise), van en concordancia con el nombre del grupo, aunque como éste, sólo son instrumentos para encubrir una forma única de asociar música y emociones. Ellos marcaron un camino a seguir, y no son pocos los grupos que los reverencian y que intentan imitar su experimentación y ese camino hacia un mundo interior que curiosamente es también universal. Así son Dead Can Dance, un grupo atrapado en otro tiempo, anclado musicalmente en un pasado entre medieval y tribal, en una polivalencia que roza lo mágico. Si desconocéis su trabajo, es inevitable que tarde o temprano caigáis en su exclusivo mundo, y aunque cualquiera de sus discos es recomendable, tal vez un buen comienzo sería este colosal "Within the realm of a dying sun".

BILL DOUGLAS:"Jewel lake"

Si tuviéramos que destacar a un músico por la sensibilidad que transmite en su obra, entre las elecciones más seguras se encontraría Bill Douglas, un artista entrañable, ceremonioso, todo un personaje de la música instrumental (lo que entonces se unificaba como 'new age') que gozó de un gran éxito popular en las dos últimas décadas del siglo XX. Detrás de esa sonrisa burlona se esconde un compositor ecléctico donde los haya, un buscador infatigable del sonido más agradable. En sus discos juega con nuestros sentimientos como un niño con una peonza, y solamente su pelo canoso es más identificable que sus melodías, consecuencia de numerosas influencias y experiencias de toda índole, rock (imitaciones de Elvis o Little Richard en los 50), jazz (pianista allá por los 60, y enamorado del sonido de Lee Konitz, Miles Davis o Bill Evans), world music (estudió músicas africana, india -con predilección por Ali Akbar Khan- y brasileña en los 70), clásica (es un hábil fagotista y ha compuesto multitud de piezas, algunas de ellas para su gran amigo, el inimitable clarinetista Richard Stoltzman) y por supuesto esa hábil conjunción de todas ellas, incluidas la celta, coral (del renacimiento, especialmente) y ambiental, con que este canadiense nacido en 1944 en un ambiente familiar absolutamente musical, ha triunfado también en las Nuevas Músicas.

"Jewel lake" fue el primero de sus trabajos en este campo y con su propio nombre, que llegó de la mano del sello norteamericano Hearts of Space en 1988. Él ya había colaborado activamente en varios trabajos de Richard Stoltzman y un amigo, John Pearson, decidió enviarle a Stephen Hill (propietario de Hearts of Space) una copia de uno de esos discos, "Begin sweet world", que se ha convertido también en todo un clásico. Fue Stephen el que telefoneó a Bill para que hiciera un disco para su sello, y Bill decidió que su música encesitaba para ello un sutil toque eléctrico, por lo que adquirió enseguida dos sintetizadores, un Yamaha DX7 y un Roland D50. En cuanto a la inspiración, el músico nos contaba que "provino de la música coral del Renacimiento, en particular la música de Byrd, Josquin y Tallis. Otra gran influencia fue la música popular de las islas británicas, particularmente Ralph Vaughan Williams y Gustav Holst". Dos tipos de composiciones se citan en los primeros discos de Bill Douglas: por un lado, las dulces y melodiosas, donde los instrumentos de viento se entremezclan con los teclados, "Angelico" por ejemplo es el mejor de los comienzos, es la delicadeza hecha música -una pieza de título acertado, pues es una forma angelical de unir el teclado y el viento en una suerte de poesía ensoñadora que estuvo influenciada por el oratorio de Navidad de Vaughan Williams, "Hodie"- y en ella, como en "Dancing in the wind" o "Caroline", se aprecia una intensa dulzura, como en deliciosas piezas 'durmientes' como "Lullaby" -más que una canción de cuna, una balada de aroma jazzístico-, "Infant dreams" -que sí sería, en la práctica, una bella nana, vaporosa y de ambiente sereno-, "Folk Song " y sobre todo "Hymn" y esa dulce despedida que supone "Jewel lake", donde se produce el más emotivo de los diálogos entre teclado y oboe. Como una segunda vertiente de su inspiración, otra serie de piezas más aceleradas, como danzas irlandesas en las que cristalinos teclados juegan entre sí en una endiablada conjunción, como la popular "Highland" -rítmica y danzarina, con la que realizamos un largo y excitante viaje hasta el verdor de los paisajes irlandeses- o "Killarney", composiciones que han llegado a nosotros en forma de sintonías de algunos programas radiofónicos. En uno u otro caso, mediante poesía electroacústica o gracias a su herencia celta, Douglas confeccionó una obra intensa y emotiva, con grandes momentos fieles a un estilo desde entonces inconfundible del que, al final del álbum, llegarían otros dos grandes ejemplos, como son "Innisfree" -preciosa canción inspirada en un poema de Yeats, que si bien contará con letra para su siguiente trabajo aquí se basta únicamente con ese luminoso teclado con aspecto de nana y excepcional brillantez en su melodía- o ese pequeño himno (una hermosa bendición gaélica rescatada con acierto por Douglas) titulado "Deep peace", poesía cantada por la soprano Jane Grimes, que tampoco se quedará únicamente en este primer disco (de hecho titulará uno de sus futuros trabajos, donde recibirá otro tratamiento). La emotiva historia que hay detrás la cuenta así el artista: "Le envié esta grabación a mi padre como regalo de cumpleaños setenta y uno. 'Deep Peace' se convirtió en su pieza musical favorita, y la tocó una y otra vez. Murió de un ataque al corazón poco después de eso, y se tocó 'Deep Peace' en su funeral". Si bien decidió prescindir en esta obra del clarinete de su ocupadísimo amigo Stoltzman, Bill encontró felizmente en la flauta y sobre todo el oboe el mejor camino para conducirnos hacia románticas baladas o exóticas danzas. Bill se había casado en 1983 (bajo ceremonias budista y cristiana) con Caroline Starnes, y en 1985 había nacido su hija Catherine Karuna Douglas ('Karuna' significa 'compasión' en sánscrito), a la que también dedica el tema "Karuna" en este trabajo.

Escuchar "Jewel lake" es nadar en un lago sereno y apacible de aguas cristalinas, es saborear la extrema delicadeza de unas composiciones evocadoras y llenas de colorido, que ante todo inspiran, como dice el título de la canción antes mencionada, una 'paz profunda'. Los grandes músicos que han ejercido durante el tiempo una reconocida influencia en Bill Douglas, tan variados como Vaughan Williams, Miles Davis, Keith Jarrett, Ali Akbar Khan o Johan Sebastian Bach, estarían orgullosos de lo conseguido por este singular personaje y disfrutarían, como nosotros, de tan bello resultado y deliciosa ejecución: Bill Douglas se encargaba de interpretar fagot, piano y sintetizadores, Geoff Johns de las percusiones, Anne Stackpole de la flauta y Lisa Iottini del oboe, mientras que Stephen Hill producía el álbum. El consejo lógico es precisamente ese, bucear en este 'lago' para disfrutar de la 'joya' que representa.

ENYA:"Shepherd Moons"

Para todo músico que ha logrado un espectacular nivel de calidad y reconocimiento con un álbum de debut (aunque en este caso ya existiera un trabajo anterior, por lo que se trataría de su debut internacional) puede resultar muy difícil afrontar el siguiente, por la presión a la que se ve sometido por la crítica, por el público y por la propia compañía de discos. Para la irlandesa Enya esa presión era interior, y respondía a las ganas que tenía ella misma para conseguir igualar o incluso superar una auténtica maravilla como fue "Watermark". Valorar si lo consiguió o no es sumamente difícil (cada cual debe tener su visión personal, aunque ante tales cotas de belleza deberíamos dejar a un lado esa falsa rivalidad), pero lo que es indudable es la enorme maestría, emoción y sensibilidad de este nuevo trabajo, de título "Shepherd Moons", que apareció en 1991 de nuevo bajo el auspicio de Warner, la compañía que, gracias a Rob Dickins, había confiado plenamente en Enya, cuyo delicado y folclórico estilo multivocal ya era famoso en todo el mundo por esa mezcla de dulzura y carácter puramente celta que permite una ruptura con la realidad, una evasión de cualquier problema facilitada por la belleza extrema de algunas de sus creaciones. De este modo, "Shepherd Moons" alcanzó el número 1 en las listas británicas y el 3 en las españolas, superando en ambos casos a "Watermark".

 

El planeta Saturno y dos de sus lunas son las protagonistas del tema instrumental que da título al disco y que lo abre como un susurro. Tan poético comienzo anticipa un universo de emociones, de la melancolía a la alegría, de numerosos mensajes y transmisiones en cada una de las doce canciones que pueblan el álbum, entre las que se cuelan dos temas no compuestos por la propia Enya. El mundo de los sueños es el protagonista del primer single del álbum, "Caribbean Blue", que no sólo es vivaz y colorido sino que se anticipó a la llegada del disco permitiendo adivinar ese color azul que invade la portada, tan bonita como era la de "Watermark", disco al que parece seguir en muchos aspectos, por ejemplo en su planteamiento de los temas promocionales: así, como lo fuera "Orinoco Flow", "Caribbean Blue" es pegadizo, animado y muy elaborado, pero el salto al segundo sencillo viraba hacia una canción más sugerente, lírica y evocativa, de título "How Can I Keep from Singing?" (siguiendo la estela -casi imposible de superar- de "Evening Falls..."), adaptación de un antiguo himno de la secta cristiana shaker que glorifica la alegría de la vida. En cuanto al tercer lanzamiento, se optó de nuevo por el movimiento, y emulando a "Storms in Africa (Part II)" nos encontrábamos con el empuje de "Book of Days", que aunque se refiera a algo tan personal como el diario de Enya, es conocida como la canción de la película 'Far and Away' ('Un horizonte muy lejano' en España), protagonizada por Tom Cruise y Nicole Kidman; la canción, grabada originalmente en gaélico para las primeras ediciones del álbum, se adaptó al inglés para dicho film tras la propuesta de su director, Ron Howard, lanzándose como single y sustituyendo a la versión en gaélico en casi todas las posteriores ediciones del álbum. De este modo, todas las demás canciones están basadas en esos hechos que Enya ha ido guardando en su particular 'book of days', en sus vivencias e impresiones, haciendo de este trabajo algo muy personal, compartido con todos nosotros a través de su sempiterno productor Nicky Ryan, y de la mujer de éste, Roma, la letrista y auténtica intérprete del universo interior de Enya. El gaélico es el idioma en el que sueña Eithne Ní Bhraonáin (su nombre en ese dialecto irlandés), a través de él conecta con sus raíces y es capaz de transmitir mejor sus emociones. En este disco predomina el inglés pero el gaélico tiene su enorme hueco a través de la mencionada primera versión de "Book of Days", "Ebudae" (supuesta isla de las Hébridas, cuyo nombre aparece en la letra de "Orinoco Flow", y que aquí se convierte en una magnífica 'waulking song' o canción de trabajo de espíritu tradicional) y sobre todo "Smaointe...", preciosa y emotiva canción (compuesta con anterioridad para la cara B del single de "Orinoco Flow") en la que Enya habla de sus abuelos y lo maravillosa que fue su niñez y juventud teniéndolos siempre cerca; si emocionante es la interpretación de Enya, no lo es menos la del reputado gaitero Liam O'Flynn, que ya colaboró con su compatriota en "The Celts" y que repite aquí, en una intervención de auténtico lujo. Para completar el álbum, dos temas instrumentales de esos que, en su corta duración, son capaces de llenar un disco entero por su intensidad y dulzura ("No Holly for Miss Quinn" -en la línea de aquel "Miss Clare Remembers" de "Watermark", puesto que ambos son títulos de novelas de la escritora inglesa Miss Read- y "Lothlorien" -un brillante homenaje al reino imaginario de los elfos que concibió J.R.R.Tolkien-), tres preciosas canciones en inglés ("Angeles" -en la que suenan hasta quinientas voces de Enya-, "Evacuee" -basada en la conmovedora historia de una niña y la separación de sus padres durante el bombardeo sobre Londres en la guerra-, y el cuarto sencillo del disco, la operística "Marble Halls", otro recuerdo de su niñez -una obra del compositor irlandés William Balfe que su madre tarareaba cuando ella era pequeña-), así como otra en latín, de título "Afer Ventus", que sin llegar al grandísimo nivel de "Cursum Perficio" -las comparaciones siguen siendo inevitables entre estos dos discos hermanos- sí que roza la perfección, como uno de esos 'instantes de revelación', cuando todo en la vida parece cobrar sentido, que a su manera intenta describir. El realizador Michael Geoghegan repitió en "Shepherd Moons" con los videoclips de "Caribbean Blue" y "Book of Days" (la acreditación del de "How Can I Keep from Singing?" es para Entertainment Productions). Como sucediera con "Exile" en su anterior trabajo, "Book of Days" presentaba imágenes de la película 'Un horizonte muy lejano', mientras que "Caribbean Blue" era otro prodigio al estilo de "Orinoco Flow", con fotogramas coloreados en tonos azules que reflejan no sólo la idea de un sueño diurno a un mundo de fantasía, sino parte del universo imaginario del pintor americano Maxfield Parrish, al que Enya admiraba profundamente, como se podrá apreciar en la portada de su siguiente álbum.

 

"Shepherd Moons" está repleto de pequeños momentos íntimos que Enya desea compartir con nosotros, bien de manera instrumental, bien en colaboración con Roma a través de unas letras sinceras, y esa fachada tierna, casi infantil, que presenta su imagen, se convierte en fuerza creativa cuando entra en el estudio. Al escuchar esta deliciosa música, con todos sus juegos de voces e instrumentos, puede jugarnos una mala pasada la percepción (auditiva, en este caso), podemos escuchar elementos nuevos en cada escucha y quedarnos atrapados por cosas que otros ni siquiera han llegado a escuchar o a comprender. La complejidad de algunas de las canciones contrasta con la simpleza de otras, y en este juego que se produce entre la terna que elaboró el disco y los que acabamos disfrutando de él, acabamos ganando todos, desde la aparentemente frágil Eithne hasta el que, sin saberlo, escucha por la radio o en una película una de sus melodías, como las que pueblan este "Shepherd Moons" que ganó en 1993 el grammy al mejor disco de new age (sus siguientes álbumes también han nacido con ese trofeo debajo del brazo, aunque su mejor trabajo, "Watermark", no lo consiguiera). No en vano James Cameron intentó conseguir a Enya para la banda sonora del mítico film "Titanic", y es que no sólo cualquier película, sino que seguro que este mundo sería mucho mejor si en el listado de necesidades vitales de cada día tuviera su hueco la música de Enya.

OTRAS CRÍTICAS RELACIONADAS:

ENYA: "Watermark"

VARIOS ARTISTAS: "Polar Shift"

SHADOWFAX:"The dreams of children"

A los seguidores más apasionados de la saga de "El señor de los anillos" no se les escapará el detalle de que Shadowfaw es el nombre del caballo de Gandalf. Los amantes de las Nuevas Músicas, así como del jazz y el blues más cercano a éstas o simplemente a los admiradores de las referencias del sello Windham Hill, no desconocen la existencia de un maravilloso grupo que si bien fue fundado en los 70 grabó su primer plástico para este mítico sello en 1982. Hasta entonces, todas las referencias de Windham Hill habían sido firmadas por artistas en solitario, desde Will Ackerman hasta George Winston pasando por Alex de Grassi o Scott Cossu, o dúos como los formados por Ira Stein y Russel Walder o Darol Anger y Barbara Higbie. En resumen, virtuosos que podían acompañarse por un pequeño conjunto o que deslumbraban en la plenitud de su instrumento acústico. Shadowfax fue la primera referencia de un grupo como tal, un conjunto que tuvo diversas formaciones y que entró en 1984 (el año de publicación de "The dreams of children") con G. E. Stinson a las guitarras y piano, Phil Maggini al bajo, Stuart Nevitt en las percusiones, Jamii Szmadzinski al violín y David C. Lewis a los teclados, bajo el liderazgo del gran Chuck Greenberg, que además aportaba el saxo y el sonido más característico de la banda a través de un instrumento ya obsoleto llamado lyricon, ni más ni menos que un saxo electrónico (el primer instrumento electrónico de viento) inventado por Bill Bernardi y Roger Noble, que por esa misma definición hace que se considere a Shadowfax como una banda de sonido tibiamente electrónico.

El inconfundible estilo del grupo, por obra y gracia de la sonoridad aflautada del lyricon (son más interesantes los momentos en los que Greenberg accede a este instrumento y aparca el saxo tradicional), se evidencia por completo nada más pulsar el play, en uno de los clásicos de la banda, "Another country", que como casi todos sus grandes canciones (tan célebres y melodiosas como "Angel's flight", "A thousand teardrops" o "Shadowdance") es obra de Chuck Greenberg. En esta, apabulla el lyricon en una melodía plena y efectiva, con gran envoltura instrumental. La línea musical de Shadowfax se ubica en un jazz melódico, suave y muy agradable de escuchar, no excesivamente profundo (ideal como música de fondo pero altamente recomendable para una escucha seria y prolongada), aderezado con elementos étnicos y de folk de cámara, con una calidad indudable en la composición y interpretación, en la que parece notarse el divertimento y la complicidad entre los músicos: "Eramos básicamente músicos de blues-rock que habían desarrollado un interés por el jazz y la improvisación, escuchando a otros grandes músicos como Miles Davis, Ornette Coleman, John Coltrane, Don Cherry o Weather Report". Tras dos grandes clásicos grabados para Windham Hill ("Shadowfax" en 1982 y "Shadowdance" en 1983), la banda conformó al año siguiente este completo plástico, "The dreams of children", un trabajo impoluto en cuanto a su calidad de sonido y profundidad instrumental (se nota y se disfruta cada instrumento, mas allá incluso de la excelsa calidad de sus intérpretes), dejando un poco de lado el free jazz de sus comienzos, y entrando en un juego mas comercial, perfectamente asentados en la onda de la música que vendía su casa de discos. En "The dreams of children" nos olvidamos de los temas puente de carácter experimental que podían, en menor medida, encontrarse en los álbumes anteriores, porque practicamente todas las canciones tienen sentido, ritmo y esencia sin dejar espacio al aburrimiento. Además de la mencionada joya "Another country", ahí están ejemplos como "Snowline" (sones de medianoche con un rotundo saxo) y "The big song" (un tema intenso donde la espléndida guitarra de Stinson da varios pasos adelante y crea su propio territorio en el disco), que anteceden a la excepcional, sensible y arrullante "The dreams of children", una pequeña nana conducida por el lyricon de Greenberg con la que se acaba de entender el titulo del álbum, pues se trata de una pequeña delicia infantiloide de gran carga emotiva. La sorpresa de la segunda parte del disco, donde nos encontramos con la interesante ambientalidad de "Kindred spirits" y "Shaman song" antes de llegar a una cierta intrascendencia final, es el quinto corte, de título "Word from the village", una completa incursión en el folclore africano de la mano de G. E. Stinson, que guiado por la voz de Morris Dollison y una asombrosa comunión de cuerdas, piano, viento y percusión, sorprende y deslumbra en una acertadísima fusión.

Cuando Shadowfax fichó por Windham Hill, Chuck Greenberg decidió conseguir los masters del primer plástico que grabaron en 1986, "Watercourse way", que poseía Passport Records, y fue listo al recomprarlos antes de que Shadowfax comenzaran a tomar importancia en los círculos de la música instrumental. De esta manera, los dirigentes de Passport estuvieron más que satisfechos de vender barato un producto que para ellos no era rentable, y la banda hizo un buen negocio al poder publicarlo de nuevo con Windham Hill en 1985. Antes de ello, y para el segundo disco con la compañía de Palo Alto, "Shadowdance", habían regrabado dos temas de aquel trabajo, la canción homónima y "Song for my brother". Además, en la estupenda recopilación "A winter's solstice", la compañía tuvo la excelente idea de incluir la canción más destacada y lírica de aquel primer álbum, "Petite aubade", una pequeña muestra de la excelencia de Chuck Greenberg, el alma del grupo y productor de los discos, que falleció el 4 de septiembre de 1995 víctima de un ataque al corazón. Su legado, así como el de su fiel Stinson y otros grandes músicos como el violinista Charlie Bisharat, que llegó años después del disco aquí reverenciado, fue la discografía de Shadowfax, un grupo de sonido inconfundible por obra y gracia de ese saxo electrónico llamado lyricon, que ganó el grammy al mejor álbum de new age en 1988 por "Folksongs for a nuclear village". La escucha de "The dreams of children" o de cualquiera de sus obras es un verdadero placer que hay que disfrutar y saborear con calma.

VANGELIS: "El Greco"

Es tan difícil mantener la calidad en una carrera musical de 50 años como conservar la vitalidad de la juventud. Es lógico que los grandes, y me refiero a esos artistas que deslumbraron en los 70 con discos rompedores como Mike Oldfield, Jean Michel Jarre o el propio Vangelis, tengan momentos de bajón en su trayectoria, y que en su parte final se mantengan a base de detalles, intercalando retazos de aquella genialidad que seguramente no estaba perdida sino aletargada por el peso de los años, mostrándose dosificada. Así, de vez en cuando aceptan su verdadero lugar en el mundo de la música actual y, conscientes de su capacidad, consiguen recrear parte de aquellos viejos éxitos. El griego Vangelis, poco antes de publicar un interesante "Voices" en 1995, construyó un excepcional y sentido homenaje a su compatriota Doménikos Theotokópoulos, ilustre pintor más conocido como El Greco. Aquel disco titulado "Foros Timis ston Greco" ("Un tributo al Greco") tuvo un prensaje limitadísimo de 3000 copias, todas ellas firmadas por Vangelis, en una edición de lujo que se vendía a un precio aproximado de 90 euros en la 'National Gallery' de Atenas. La calidad del álbum contrajo una deuda con su público, por lo que tres años después, en 1998, y añadiendo tres nuevas composiciones (posiblemente descartadas en aquella primera edición), apareció gratamente en el mercado internacional el trabajo definitivo "El Greco", publicado por EastWest con la distribución de su sello principal, Warner Music.

Seguramente identificado con El Greco (no sólo les une su país de origen sino su exilio -Vangelis se dio a conocer en Francia, El Greco se inmortalizó en España-, sin olvidar que Vangelis también practica la pintura y la escultura), la inspiración para este disco fue enorme, brutal, y Evangelos Papathanassiou realizó una de sus grandes obras, lo que hablando de él es decir mucho. Como las pinturas de Doménikos Theotokópoulos, "El Greco" es un disco oscuro, pero Vangelis se desenvuelve perfectamente en esa oscuridad aportando una lucidez excepcional, lo cual se deja notar desde las primeras notas, cuando un inmenso sonido de fondo parece conducirnos con un candil a lo largo de todo el primer movimiento, una pieza de aroma bizantino, con una impresionante atmósfera religiosa como telón de fondo, un prodigio ambiental con varios planos de actividad a cual más interesante. El conjunto es, simplemente, maravilloso. Esa cadencia lenta y sugerente, tan épica como tantas otras del Vangelis de los viejos tiempos, nos conduce a un segundo movimiento en el que, por el poder visual de las notas, podemos ver al mismísimo Greco dar pinceladas, en un momento tremendamente empatizante a la vez que austero en su instrumentación, prácticamente como en todo el trabajo. Como suele ser habitual, Vangelis plantea la obra con su propia autoría, producción, arreglos e interpretación, sin dar detalles de los teclados e instrumentación utilizada. "Foros Timis ston Greco" constaba de siete movimientos a los que en 1998 se añadieron tres, correspondientes a los números III, V y VII en esta nueva edición, y da la impresión de ser los más vitalistas y de notas más claras de todo el trabajo, contrastando con el tono oscuro y misterioso del resto. Así, el tercer movimiento se presenta más vital y costumbrista (con una melodía como de arpa), el quinto más onírico, deslumbrante, con unas preciosas notas envolventes, y el séptimo es una pieza de estilo medieval con los coros más típicos de Vangelis, y aunque no llega al nivel de "1492" o de históricos éxitos como "Mask" o "Heaven and Hell", suena grandiosa y elocuente. De nuevo en los cortes antiguos, es necesario destacar la presencia, como guiño a la españolización de El Greco, de la soprano española Montserrat Caballé dominando un operístico y en cierto modo impactante cuarto movimiento (un aria de espectacular comunión entre teclista y vocalista), así como del tenor griego Konstantinos Paliatsaras en el sexto, más espiritual y místico. Vangelis se aliaba así de nuevo con la ópera, dando muestras de una soltura espectacular en estos dos cortes, como continuará haciendo en el futuro álbum "Mythodea". Algo distantes, ambientales y sosegados son los movimientos VIII y IX, para concluir con un décimo -"Movement X (Epilogue)"- en el que vuelven las notas luminosas para despedir el disco de forma optimista. En la portada, una de las obras más famosas e impactantes de la época española del pintor cretense, 'El caballero de la mano en el pecho'. El álbum contó con una nueva edición de lujo en caja de terciopelo rojo que se ofreció a los asistentes en la presentación de la obra en Atenas, una edición de coleccionista de la que se prensaron únicamente 500 copias.

Hay que agradecer que Vangelis rindiera tributo a El Greco de esta feliz manera, así como que él y la compañía discográfica decidieran expandir la primigenia edición limitada a un CD de más de 70 minutos abierto a todo el público, un trabajo que no hay que confundir con la banda sonora del film 'El Greco', coproducción griega, española y húngara dirigida por Yannis Smaragdis, publicada en 2007 y compuesta también por Vangelis, aunque de inspiración inferior a esta obra mística, espectacular e imprescindible comercializada una década antes. Se define a El Greco como un hombre ambiguo, de hábitos excéntricos y extrema devoción. Posiblemente sea su fuerza y creatividad lo que más le unía a Vangelis, que honró su memoria creando este inmenso disco, un tributo de un maestro de la música hacia un maestro de la pintura. Por lógica, una obra magistral.

OTRAS CRÍTICAS RELACIONADAS:

VANGELIS: "Heaven & hell"

VARIOS ARTISTAS: "Polar shift"

TIM STORY & VARIOS ARTISTAS:"In Search of Angels"

Reales o imaginarios, visibles o invisibles, divinos o humanos, los ángeles han estado siempre cerca de nosotros, tanto como el ángel de la guarda que cada uno tenemos al lado. Posiblemente más desde terrenos cercanos a la filosofía new age que por movimientos religiosos de cualquier tipo, en los años 90 estos seres divinos tuvieron un especial momento de apogeo y popularidad, y en ese instante mágico vio la luz "In Search of Angels", un documental periodístico estadounidense dirigido en 1994 por Ken Short, y basado en el libro de igual título de David Connolly, que trataba sobre la búsqueda de los ángeles, sus huellas en la Tierra, sus cultos (tanto en un contexto cristiano como de adoración satánica al ángel caído) y en definitiva todo tipo de creencias al respecto de estos entes que tanto han inspirado en todas las artes, literatura, pintura, cine y música. Con buen tino y mucha delicadeza, Windham Hill publicó ese mismo año 1994 la enorme banda sonora del documental, un cuidadísimo testimonio musical de características casi divinas.

Para encontrar la música celestial adecuada se pensó en un doble juego, por un lado otorgar la composición de música incidental a un músico ambiental de garantías, trabajo que se otorgó a un inspirado Tim Story, y por otro buscar en los archivos de la compañía para encontrar piezas de gran nivel de ensoñación, suaves y lívidas, adecuadas para el tema a tratar. El teclista estadounidense Tim Story es un compositor serio y elegante, cuyo uso de la electrónica ambiental le ha valido calificativos como el de 'maestro de la música de cámara electrónica', y ciertamente, en sus creaciones para "In Search of Angels" (trabajo coetáneo de uno de sus grandes álbumes, "The Perfect Flaw") se respira un fabuloso ambiente impresionista que responde a su modo de ver la música, como un arte del que disfrutar en cualquier ocasión, "como una escultura o un jardín japonés", que se puede seguir admirando en todo momento. La música ideada por Story para la ocasión es etérea, sugerente, en su más típica línea atmosférica pero envuelta en un especial halo de fantasía, posiblemente tocado, precisamente, por un ángel. Algunas de las composiciones parecen deudoras de Erik Satie ("Angel of the Elegies", "Angelos"), si bien el mayor acierto es el impresionante tema principal ("Theme from In Search of Angels"), una chispa de especial sensibilidad, más aún, un maravilloso sueño del que es difícil despertar, aunque sólo se trata de la primera de varias joyas que vamos a disfrutar a lo largo y ancho de un trabajo cuya belleza comienza en su sugerente portada. Dada la temática del trabajo, un aura de religiosidad se respira a lo largo del mismo, un aroma sagrado recogido especialmente en canciones corales como el excepcional "Requiem in Paradisum" de Gabriel Fauré, interpretado por el coro del Trinity College de Cambridge, o en las participaciones del St. Olaf Choir o The American Boychoir. Grandes canciones se citan en el resto del disco, con tres puntos fuertes: "The Oh of Pleasure" (del sintesista Ray Lynch, incluido en su afamado trabajo "Deep Breakfast"), "Close Cover" (el gran clásico del pianista belga Wim Mertens) y una pieza única, sensible, delicada, de título "Reflection", creación del noruego Oystein Sevag para su trabajo "Global House". Lynch, Mertens, Sevag, así como otros músicos de reconocido prestigio como el trompetista Mark Isham (otro clásico de siempre de Windham Hill), la arpista Therese Schroeder-Sheker, y por supuesto Tim Story (que también aporta un tema antiguo, "Woman of the Well", de su único trabajo completo para Windham Hill, "Glass Green"), contribuyen a darle un caché especial al 'soundtrack', en el que hay que destacar también la presencia de cantautoras norteamericanas como Patty Larkin, Jane Siberry o K.D.Lang. Efectivamente, aun cuanto resulte extraña, la elección de estas cantautoras más conocidas en los círculos del folk y del country se acomoda eficazmente a la causa del documental, tanto la rotunda canción "Calling All Angels" de las canadienses Jane Siberry y K.D.Lang, deudoras de Joni Mitchell, como la composición "Good Thing (Angels Running)" de la estadounidense Patty Larkin, que grabó varios discos en los 90 para el sello subsidiario de Windham Hill, High Street Records. Aunque Tim Story estuviera ya a estas alturas plenamente integrado en la nómina de otro importante sello norteamericano, Hearts of Space, seguiría colaborando activamente con Windham Hill en compilaciones temáticas como "The Impressionists", "The Romantics", "The Bach variations", "Adagio" o varias ediciones de "A Winter Solstice", entre otras.

En la contraportada del disco se describían así las intenciones del mismo: "De todas las artes, ninguna posee más características de lo divino que la música. Y durante miles de años, los ángeles han sido una imagen persistente e influyente en la vida humana. Esta especial colección de música se inspira en la paz, la belleza y el encanto de los ángeles de cualquier sitio". En el interior, citas de poetas, santos, eclesiásticos e incluso del Corán ensalzan y definen a estos 'mensajeros de la luz'. En el año 2000 Windham Hill reeditó el "In Search of Angels" con una portada diferente y una drástica reducción en el número de cortes, pasando de los 16 originales a 12, si bien con la curiosa característica de la inclusión de nuevos e importantes artistas, como George Winston o Angels of Venice, en detrimento de otros no menos vitales como Wim Mertens o Ray Lynch. Cosas de las discográficas. En una u otra edición, aunque aconsejando soberanamente la primera, es destacable la gloriosa reunión de elementos que conforma un álbum angelical, más que digno de glosar las hazañas de estos seres alados a los que rinde tributo, y por supuesto imprescindible en nuestros hogares.

ANTERIORES CRÍTICAS RELACIONADAS:

RAY LYNCH: "Deep Breakfast"

RAY LYNCH: "No Blue Thing"

WIM MERTENS: "Jardin Clos"

JAMES ASHER:"The great wheel"

A comienzos de los 90 el sello norteamericano Music West recogía en su catálogo una estupenda colección de discos y artistas, destacando poderosamente los primeros trabajos de Ray Lynch, el prometedor debut del noruego Oystein Sevag titulado "Close your eyes and see" y el inolvidable "Enchantment" de Chris Spheeris y Paul Voudouris. Cuando tras pocos años de actividad dicho sello desapareció, practicamente todos ellos encontraron afortunado acomodo en otras compañías, que se encargaron de volver a editar aquellos gloriosos trabajos para nuestro disfrute. Otro de los ejemplos es el de un inglés llamado James Asher que vió como su disco "The great wheel", publicado por Music West en 1990, fue reeditado por Silver Wave Records a partir de 1993. La historia de "The great wheel" es sin embargo anterior: Asher, desde finales de los 70, desarrolló una música instrumental de difícil clasificación en los sellos londinenses Studio G y Bruton Music (en realidad autodefinidos como bibliotecas musicales, un catálogo de canciones de diversos estilos para poder utilizar en diferentes campos artísticos), una veintena de trabajos descatalogados con algo de psicodelia, de electrónica y de ambientes innovadores, que fueron la semilla de "The great wheel". De hecho, la primera edición del disco que nos ocupa, con una portada muy divertida, la publicó en 1988 el mencionado Studio G; más artística, medieval, es la de la segunda edición, también de 1988 por parte del sello del propio Asher, Lumina Music: "descontento con las opciones que pude encontrar para publicar en el Reino Unido este álbum, fundé una nueva compañía con el editor John Gale, Lumina Música. Por suerte para mí, "The great wheel" fue adquirido por el sello estadounidense Music West. Su gran éxito con Ray Lynch me ofreció una gran plataforma para desarrollar mi identidad artista. Allan Kaplan era dueño de Music West, y aunque la compañía desapareciera, él sigue siendo un amigo hoy en día".

Sin ser posiblemente tan elogioso como algunas de la obras que compartieron acomodo temporal en Music West, bien se podría calificar a "The great wheel" como un disco iluminado, fácil de escuchar y con momentos altamente interesantes en varias facetas, en definitiva un pequeño clásico de las Nuevas Músicas que llegó al número 13 en las listas de new age de la revista Billboard, en la que permaneció dos años. Con un buen equilibrio entre lo acústico y lo electrónico, en el CD nos encontramos con una primera parte de pop instrumental con elementos de jazz y world music, y una segunda consistente en una larga composición meditativa y cíclica que en definitiva es lo mejor del trabajo. Los temas cortos resultan agradables de escuchar pero, salvo los tres primeros, adolecen de una producción algo blanda y escaso contenido, nuevos ejemplos de biblioteca musical que aún así pueden complacer a un amplio público deseoso de melodías fáciles. Un caso aparte constituyen esos tres primeros cortes: "Celebration" es una canción rítmica y rica en matices, con un atractivo saxo (interpretado por Andrew Milnes) que le otorga un componente jazzístico cercano al smooth jazz, aunque algo más electrónico merced a los fondos y demás instrumentación. "Jeunesse" es una bonita y delicada composición semejante a un vals modernizado, sin lugar a dudas el mayor acierto de esta primera parte del disco. Otro bello ejemplo entre el clasicismo y la electrónica es "Bagatelle", y a partir de ahí pequeños detalles ("Morning light", "This stillness") hasta llegar a "The great wheel", la composición larga que nomina al trabajo. Aquí, Asher demuestra poder conducir perfectamente una creación cíclica de 30 minutos que no se hace en absoluto larga (algunos críticos la definieron como un poema sinfónico) combinando pausas e instrumentos para conseguir un efecto relajante, ambiental, cálido en el uso de la electrónica, con la suave inclusión de instrumentos acústicos y una buena percusión, y envolvente tal como hace ver la portada de la edición definitiva del trabajo, esa gran rueda de la vida que gira sin descanso conduciéndonos por ella: "La canción que da título al disco comenzó como un experimento para comprobar lo bien que podría hacer transiciones entre un ciclo de acordes, con el fin de crear algo extrañamente intemporal y de sentimiento infinito". El experimento resultó fabuloso, sin embargo, auspiciado por Silver Wave primero y New Earth Records posteriormente, Asher se embarcó desde entonces en un camino lleno de altibajos en las músicas del mundo y su vertiente más rítmica (llámese worldbeat, fusión étnica o como se desee), aunque puntualmente, con álbumes como "Dance of the light", ratificara las buenas sensaciones relajantes, incluso exultantes, de "The great wheel".

Nacido en Eastbourne (Sussex) en un ambiente familiar muy musical, a los siete años comenzó a tocar el violín, instrumento que dejó al no poder expresarse totalmente con él: "Sentí mucha más libertad en el piano y la batería", dijo. Beatles, Beach Boys, The Who (de hecho, llegó a colaborar con Pete Townshend) y otros clásicos como Chopin, Holst o Debussy fueron sus principales influencias en su camino musical, en el que se formó además como ingeniero de sonido. Todo ese recorrido originó "The great wheel", que produce junto a Philip Bagenal, y en el que se encarga de todos los instrumentos salvo del mencionado saxo y los tambores (a cargo de Duncan Gaffney). Algunas de las canciones de "The great wheel" fueron rescatadas en 2004 para el disco "Wolds within the wheel" publicado por la casa holandesa especializada en new age Oreade Music. En concreto fueron "Jeunesse", "The Stillness" y "The Great Wheel" las que aparecieron en este álbum de bonita portada (obra del propio Asher junto a Rory Baxter) junto a otras cinco composiciones primerizas del británico, manteniendo así actual el recuerdo de 'la gran rueda', un disco vital, a la par estimulante y relajante, cuya composición principal no puede faltar en cualquier discografía de música tranquila y meditativa de calidad.

PAUL HALLEY:"Angel on a Stone Wall"

Pianista y organista nacido en 1952 en Inglaterra, Paul Halley es más conocido por el gran público como miembro del Paul Winter Consort, ese excelso grupo fundado y reunido por el saxofonista Paul Winter en el que Halley colaboraba activamente no sólo en la instrumentación sino además en la composición de gran parte de los temas. Aparte de su alto grado de excelencia con el Consort, resultó evidente que Halley se había guardado bastantes ideas para sus discos en solitario, y tras un discreto "Pianosongs" apareció este "Angel on a Stone Wall" en 1991 para Living Music -el sello del propio Paul Winter-, de mayor calidad y madurez, una pequeña inclusión en el folclore mundial con matices de jazz, pleno de religiosidad y un cierto clasicismo. Se trataba de un álbum muy animado y rítmico, sacro a su modo -no en vano Halley fue durante trece años organista de la catedral St. John the Divine de Nueva York, donde se grabaron varios trabajos del Consort-, que transmite en general una profunda alegría (como los discos de Paul Winter es una pequeña celebración) dominado por el piano pero con las virtuosas aportaciones de esa gran familia que formaba en esa época el Paul Winter Consort, es decir, Paul Winter al saxo, la percusión de Glen Vélez, las flautas de Rhonda Larson y el cello de Eugene Friesen, aparte de la guitarra de Oscar Castro-Neves, el bajo de Russ Landau y otras voces, sitar, tambores y demás complementos para que las ideas de Halley encontraran el acomodo perfecto en sus acertados arreglos.

"Angel on a Stone Wall" es además un ejemplo de cómo en cada viaje, en cada lugar que se visita, en sus gentes, sus monumentos y su cultura, se pueden encontrar influencias y captar pequeños detalles para incorporar a las propias ideas. La estética del Consort se deja notar ya desde el comienzo del disco, en "Sea Song", gran composición típica de Halley inspirada en los atardeceres de agosto en Nueva Escocia, rítmica y eficaz en su manera de interpretar un piano que domina plenamente la pieza, pero con unos complementos tan solventes como el saxo soprano de Paul Winter o unas percusiones que se dejan notar claramente en todo el trabajo, a manos no sólo de Glen Vélez sino también de Jamey Haddad y Nick Halley, hijo del autor de la obra. Más intimista es "La Alhambra" en su colorida melodía (adornada con el toque del sitar), y más mística e intensa la oración que da nombre al tercer corte, "Prayer", compuesto tras una visita del Consort a la sagrada ciudad de Jerusalen. La vivacidad vuelve con una agitanada y muy percusiva "Bulgarian Cowboy", y Halley nos sigue conduciendo con extremada pericia por melodías de piano que transmiten mucho sentimiento, como "Rollin On" o "Todo mundo", esta última muy festiva y alegre, una de las canciones más del estilo del Paul Winter Consort de todo el disco, donde Paul y Rhonda se dejan notar en un diálogo precioso de saxo y flauta. Sin embargo otras tres son posiblemente las composiciones más destacables del trabajo, "Montana" (melodía rutilante y evocadora, un colorido retrato de dicho estado norteño, que fue incluída en la gira del Consort de la que se grabó el disco "Spanish Angel"), "The Prince and the Pamper" (pieza de inspiración infantil que junto al piano presenta una soberbia guitarra que parece deudora de la conocida "Cavatina" de Stanley Myers) y "Ubi Caritas (Where There is Love)", fusión de música africana y canto gregoriano en un excepcional y contínuo clímax, posiblemente una de las canciones más recordadas, pero sobre todo más originales del álbum, que no en vano puede considerarse como un pequeño himno de multiculturalidad en su conjunción de las voces del coro de la catedral St. John the Divine de Nueva York y del conjunto de baile africano Abdel Salaam and The Forces of Nature; la casualidad hizo que sobre un ensayo del coro gregoriano se escuchara en toda su vitalidad la energía de The Forces of Nature, y lo que en un principio irritó a Halley acabó convirtiéndose en una mezcla sin igual que fue recogida en este maravilloso trabajo.

Paul Halley, que sigue embarcado en proyectos corales y eclesiásticos, fue miembro del Paul Winter Consort de 1980 a 1999, con el que ganó dos premios Grammy, por "Celtic Solstice" y por ese disco antes comentado grabado en directo en España de título internacional "Spanish Angel" (aunque su primera edición, que fue exclusivamente española, se titulara simplemente así, "En directo en España"). Compositor original, arreglista de excepción, muchos son los calificativos que podríamos otorgar a este músico, que con trabajos como "Angel on a Stone Wall" (producido por Russ Landau y Paul Winter, y que puede encontrarse con otra portada diferente a la aquí expuesta, más colorida, merced a una acertada reedición) se colocó, como poco, a la altura de su maestro, el mismo que siempre alababa las cualidades, musicales y personales, del organista. Escuchar sus creaciones, sin olvidarse de trabajos como "Angel on a Stone Wall", es un auténtico placer del que nadie debería prescindir.

CHRIS SPHEERIS:"Culture"

Grecia es un país al que musicalmente siempre se le ha debido mucho, y especialmente en las últimas décadas del siglo XX ha aflorado de él mucho talento sin igual, músicos muy especiales, de enorme genialidad y a la vez muy variopintos: Vangelis o Yanni son ejemplos de grandes  teclistas, Iannis Xenakis o Mikis Theodorakis figuras clave de la música contemporánea, María Callas (la gran diva, de origen griego aunque nacida en los Estados Unidos), Demis Roussos o Nana Mouskouri como voces de siempre, y Eleftheria Arvanitaki, Alkistis Protopsalti, Haris Alexiou o Savina Yannatou como esas otras voces que, con mayor o menor recorrido musical, llegaron sorpresivamente a nuestros oídos en aquellos años de explosión cultural. Un ejemplo de otro músico de orígenes griegos (aunque nacido y criado en los Estados Unidos) que en el umbral de cambio de siglo consiguió crearse un nombre, vender un gran número de discos (en solitario y junto a su amigo Paul Voudouris) y imponer un estilo desenfadado y abierto de nueva música instrumental melódica, fue Chris Spheeris.

Más allá del éxito de sus colaboraciones con Voudouris (sin duda "Enchantment" es uno de los grandes álbumes del siglo XX en cuanto a este tipo de música), este multiinstrumentista nacido en Milwaukee ha destacado como un gran compositor en solitario. Sus influencias pasan de la música tradicional griega a los Beatles o Elton John, pero también Vangelis, Génesis o Brian Eno sonaron en su habitación mientras imaginaba ingenuos acordes con intereses adolescentes. Con tal amalgama de estilos fue tejiendo sus propias ideas, pero escuchando su música se pueden deducir dos cosas, que es personal y espiritual, y que está notablemente influida por un espíritu viajero ("mis padres me animaron siempre a viajar y vivir la experiencia de otras culturas; donde quiera que fuéramos veía y escuchaba, y crecí en un vocabulario de sonidos exóticos y adornos musicales"). La confluencia de estas características dota a sus discos de un exotismo propio y sincero, que Chris fue explorando en trabajos como "Desires of the heart" o "Pathways to surrender", publicados en lo 80 por el sello Columbia, que pretendía lanzar a este guapo intérprete como una nueva figura instrumental de guitarra. A pesar de su calidad, el experimento no cuajó, y tuvo que ser "Enchantment" el álbum que originara un segundo despegue en la carrera en solitario de Spheeris, en ese momento en el que él y Paul Voudouris se dedicaron de nuevo a sus ideas en solitario. Así surgió "Culture", publicado en 1993 por Essence Records (el sello del propio Spheeris, del que "Culture" fue la primera referencia en solitario, y que distribuyó en España Resistencia), un álbum especialmente transcultural, profundo espiritualmente aunque posiblemente más 'global' que otros de sus éxitos anteriores (si bien canciones como "Pura vida", de "Enchantment", se acercan notablemente a esas intenciones). En él, este apuesto músico de sonrisa carismática nos invita a su particular viaje -por sitios cuyos sonidos ambientales reales se pueden escuchar en el disco, como Grecia, Tailandia, India y su propio lugar de residencia, Sedona (Arizona)- y acierta en su exposición e interpretación del mismo, de una forma cálida, familiar, pero ante todo, y como siempre en su música, vital y optimista. "Aria" es una pieza perfecta como primer single, directo y poderoso, una espectacular puesta en escena de una instrumentación sencilla (guitarra, teclados y percusión) y enérgica, capaz de catapultar un disco al éxito por su radiodifusión en una época en la que esta música era tomada en serio y poseía una excepcional calidad. También de poderosa base rítmica, muy visual y cultural, son "Margarita" -otro corte destacado, demostración de un estado de forma fantástico- o "Elektra", así como "Sapphire", pero el trabajo presenta también otra cara, romántica, intimista y delicada, en composiciones como "Embrace", de hermosísimas notas de guitarra que no pueden quedar en el olvido una vez se escuchan, o "Allura", también tierna y apasionada. En ellas se pueden apreciar las especiales colaboraciones del álbum, el violonchelo (Kris Yenney) y la flauta (Kirstine Hebert) en la primera y el saxo alto (Zac Johnson) en la segunda. Además, David Peterson interpreta el oboe en "Bombay" (otro de esos cortes movidos y destacados, muy intercultural merced al sonido parecido al de un sitar) y en el tema final, One". Junto a "Aria", es sin embargo "Culture" el corte más popular y especial del disco, con su pegadiza melodía aflautada y ambientación oriental. Lo movido, visual, y lo romántico, pasional, alcanzan  juntos altísimas cotas de calidad, sólo hay que escuchar pequeñas maravillas como "Aria", "Culture", "Margarita", "Sapphire" o "Bombay" para darse cuenta de la genialidad de este guitarrista y multiinstrumentista residente en el desierto de Arizona y que nutre la sonoridad de sus guitarras, teclados y percusiones con flautas, chelos, saxos y oboes.

Tras la fachada de play-boy de Chris Spheeris se esconde un hombre humilde, abierto y sincero, un artista auténtico que impresiona con nuevos trabajos muy de vez en cuando, ocupado en otras aficiones como la fotografía, pintura o poesía. No es fácil continuar la senda marcada por una carrera plagada de éxitos, así que mientras esperamos la llegada de nuevas composiciones, es necesario paladear la esencia de su música en sus antiguos trabajos, de los que "Culture" (coproducido por Spheeris y Russell Bond, que se puede encontrar con portadas diferentes en formato digipack o en una posterior edición en caja normal) es un exótico ejemplo de calidad abierta al globo, pero ante todo de alegría y sentimiento, un disco emocionante que logró otro buen número de ventas y que conecta fácilmente con nuestros sentidos, inundando nuestro interior tanto de aventura como de añoranza.

OTRAS CRÍTICAS RELACIONADAS:

CHRIS SPHEERIS & PAUL VOUDOURIS: "Enchantment"

VARIOS ARTISTAS: "Polar shift"

RAY LYNCH:"No blue thing"

Los seguidores de la New Age encontraron en la década de los 70 una serie de artistas que marcaron el camino musical para la llegada de esa 'esperada' era de acuario. Músicos como Paul Horn, Vangelis, Paul Winter o Kitaro fueron adoptados como los nuevos gurús de este estilo de música tan espiritual y carismático. Ahí entró de lleno también Ray Lynch, compositor norteamericano e intérprete de guitarra, laud y teclados (en su familia había varios pianistas clásicos, por lo que se interesó muy joven por el piano), que había encontrado la fórmula del éxito bajo el título de un popular disco superventas titulado "Deep breakfast", y que con su siguiente trabajo, un elaborado lienzo salpicado de luz y color titulado "No blue thing", iba a conseguir lo que parecía imposible, igualar, y posiblemente superar, la calidad (tal vez no el carisma) de aquella mítica obra.

Corría el año 1989, cinco después de "Deep breakfast" -un lapso de tiempo necesario por los numerosos cambios tecnológicos de esta época convulsa, que iban a permitir una mayor gama de sonidos y mejores posibilidades de grabación-, y la desaparecida compañía Music West Records era la encargada de que "No blue thing" viera la luz (tras la desaparición de ésta, fue Windham Hill la que adquirió los derechos y editó los discos de Lynch, en el caso de "No blue thing" con portada distinta a la original). Precisamente una portada surrealista era lo primero que destacaba en la primera edición de este tercer trabajo del compositor de Utah, lo que parecía un huevo enmedio de un universo azul con un enorme destello central -tal vez un particular 'big bang'-, lo cual unido a ese título, 'Cosa no azul', comenzaba por otorgar un aire misterioso, daliniano, a la obra: posiblemente se trate de la recreación del mito de creación de ciertas culturas denominado 'huevo cósmico', que representa algún tipo de comienzo. Por fortuna la música aquí contenida no es nada surrealista ni oscura, sino planeada con una elegancia y sencillez sublimes, siete composiciones de originales títulos inspirados -como ya ocurriera en "Deep breakfast" y "The sky of mind"- en los escritos de su guía espiritual Sri Da Avabhasa (también conocido como Da Free John o Adi Da Samraj), un personaje esencial que le hizo volver a la música tras un periodo de crisis existencial; de hecho la 'ayuda' de este gurú se dejó notar por primera vez en 1982, en el álbum autoeditado en casete (posteriormente rescatado en CD) "Truth is the only profound". Abstraídos o no de grupos religiosos y filosofías orientalistas, lo importante para el oyente sigue siendo esa maravillosa música que, al comienzo del disco, flota lentamente hasta alcanzar la forma del tema homónimo a la obra, donde nos encontramos una de esas gráciles tonadas -esta es de las más inspiradas y recordadas, embelesa y no deja indiferente- que han hecho famoso a este artista a través de radios y televisiones: "No blue thing", aparte de melodía de concursos o fondo de debates, es una eficaz presentación de las dos caras de Ray Lynch, la envolvente, suave, meditativa, en definitiva neoclásica ("mi lenguaje musical está originado básicamente por el Renacimiento") y la divertida, juguetona, de notas alegres -casi infantiles- y modernas. Y ambas son igual de atrayentes y dignas de admiración, la primera es música para el alma, relaja y emociona ("Here & never found" posee un desarrollo conmovedor, apabullante, pero también la elevadora "Evening, yes" -que ya se escuchaba, primaria, en el mencionado "Truth is the only profound" con el título de "This i have noticed"- o "Drifted in a deeper land" pueden dejar sin palabras), la segunda para el cuerpo, activa y fascina ("Homeward at last" -con su inolvidable juego de teclas-, "The true spirit of Mom & Dad"). Y a pesar de su aparente sencillez, una escucha sosegada evidencia una melodiosidad múltiple en capas de teclados, guitarras clásicas (instrumentos interpretados por el propio Lynch, que no hay que olvidar estudió guitarra clásica en los 60 en Barcelona), o instrumentos de cámara (flautas y oboes en cuanto a los vientos, violines, violas y cellos por lo que corresponde a las cuerdas) que ejecutan bellas melodías solapadas en un todo equilibrado, que se escucha como pura magia en la inspirada combinación de estilos ("Clouds below your knees" o la propia "No blue thing"): "No sé de dónde me viene la inspiración, soy un ser humano y mis sentimientos los uso para perfilar el trabajo que escribo". En estos momentos de verdadero éxito, Music West compiló los tres primeros álbumes oficiales de Lynch, "The sky of mind", "Deep breakfast" y "No blue thing", en una caja titulada "The music of Ray Lynch".

Todo un mago combinando líneas musicales en el estudio, elaborando una maravillosa urdimbre (ideas sencillas que se vuelven complejas, decía Ray, hasta 25 partes sonando a la vez), Lynch difícilmente podría plasmar con garantías esta música en un concierto en vivo. Interesado también en la relación entre las matemáticas y la música, Ray proyectaba escribir un libro sobre esta temática, si bien ni libro ni disco acaban de ver la luz de ningún modo, una verdadera lástima de silencio compositivo, ya que pocos músicos instrumentales han sabido unificar como él en sus discos tecnología y contemporaneidad, alegría y sentimiento, interioridad y comercialidad, todo ello englobado en una mágica espiritualidad de raíz oriental. La suya es una música especial ("mi música se define a sí misma", decía), para el cuerpo y la mente, que merced a sus pegadizas melodías y a la bella envoltura neoclásica de la que hace gala, no es fácil de sacar de la cabeza tanto tiempo después. Parece que Ray mantiene su convicción de que lo importante no es la tecnología sino la calidad de la música ideada y producida, así que su discografía sigue sin novedades, y parece difícil que eso ocurra dadas las malas noticias sobre su propiedad en California, arrasada por los incendios de Lake County, que destruyeron no sólo su casa sino su estudio de grabación.

OTRAS CRÍTICAS RELACIONADAS:

RAY LYNCH: "Deep breakfast"